Hoy, como último bloque informativo tengo el gusto de compartirles una selección con algunas técnicas que pueden servir en diferentes puntos de la investigación de tipo proyectivo. E incluso podrían ser utilizadas en alguna investigación visual de tipo teórico. Vamos al grano.
Las agruparé en 3 diferentes tipos de técnicas. Técnicas para definir, técnicas para la creatividad, técnicas para la materialización y prueba.
Estas técnicas pueden ayudar a organizar la información que recolectamos con las técnicas de recojo de información que ya vimos en la materia. Le otorgan sentido y propósito a esa información y a la vez exponen los huecos de información.
El brief es el documento fundacional que da inicio a todo proyecto de diseño. Formaliza el problema, las expectativas del cliente, las restricciones, los entregables, el cronograma y el presupuesto. Un buen brief es simultáneamente completo y sintético: debe ser lo suficientemente claro como para orientar decisiones a lo largo de todo el proceso, pero no tan prescriptivo que elimine el espacio creativo. Es el punto de partida indispensable de cualquier proceso de diseño de marca. En la práctica, el brief puede ser redactado por el cliente, por el diseñador tras una reunión inicial, o de forma colaborativa entre ambos. Su calidad tiene incidencia directa en la calidad del resultado final. Un brief vago produce propuestas mal orientadas, un brief demasiado cerrado puede desmotivar las soluciones creativas.
El mapa de empatía es una herramienta para sintetizar investigación cualitativa sobre las y los usuarios. Organiza visualmente lo que dicen, piensan, sienten y hacen, permitiendo que el equipo de diseño desarrolle una comprensión genuina de las personas para quienes está diseñando. Fue creado por Dave Gray en la empresa XPLANE como una herramienta de taller, simple y colaborativa, y posteriormente documentado en Gamestorming (2010). El mapa generalmente se organiza en cuadrantes: ¿qué dice el usuario?, ¿qué piensa?, ¿qué siente?, ¿qué hace? Algunas versiones añaden secciones de dolores y ganancias. Su mayor virtud es convertir datos de investigación en un formato accesible para todo el equipo. Su principal riesgo es llenarlo con suposiciones en lugar de información real recogida en campo.
Alan Cooper introdujo las User Personas en The Inmates Are Running the Asylum (1999) como una manera de dar forma humana a los datos de investigación sobre usuarios. Una persona es un personaje ficticio pero basado en investigación real, que representa un segmento de la población de usuarios reales. Tiene nombre, edad, ocupación, objetivos, frustraciones, comportamientos y contexto de vida. Su propósito es mantener al equipo de diseño enfocado en necesidades humanas concretas en lugar de categorías abstractas. Por ejemplo: ¿María, nuestra persona, entendería esto? ¿Lo usaría? Su principal riesgo es construirlas a partir de suposiciones del equipo en lugar de investigación con usuarios reales, lo que las convierte en un espejo de los prejuicios del diseñador más que en una representación del usuario.
Técnicas para la creatividad Estas técnicas son ayudas para algo que intuitivamente nosotros como diseñadores y diseñadoras ya sabemos hacer. Nos ayudan con un poquito más de estructura a producir IDEAS.
Es una técnica tan regular e intuitiva que resulta gracioso pensar en su autor, pero Alex Osborn formalizó el brainstorming en Applied Imagination (1953) como una técnica de creatividad grupal basada en cuatro reglas: generar la mayor cantidad posible de ideas, posponer el juicio crítico, construir sobre las ideas de los demás y dar la bienvenida a las ideas más disparatadas. La idea central es que la cantidad conduce a la calidad: cuantas más ideas se generen, más probable es que emerja una buena. En diseño, el brainstorming se usa en fases de ideación y creatividad. Funciona mejor cuando el problema está bien definido de antemano. También puede ser individual. En la práctica necesitas un gran papel y algo con que rayar.
Tony Buzan desarrolló los mapas mentales en los años setenta como una herramienta visual de toma de notas y pensamiento, inspirada en la idea de que el cerebro organiza la información de manera asociativa y no lineal. Un mapa mental parte de un concepto central y se expande hacia afuera en ramas que representan ideas relacionadas, subdivisiones y conexiones. Permite ver relaciones que el pensamiento secuencial no revela. Su limitación es que puede volverse complejo e ilegible si no se gestiona con cuidado, y que la libertad asociativa puede producir conexiones superficiales o irrelevantes.
El moodboard es un collage visual que captura la dirección estética, emocional y conceptual de un proyecto antes de que se tomen decisiones de diseño concretas. Generalmente incluye imágenes, colores, texturas, referencias tipográficas y otro material visual que comunica una atmósfera (mood) o sensación más que una solución. McDonagh y Storer (2004) en The Design Journal lo describen como un catalizador y un recurso simultáneamente: ayuda al diseñador a clarificar su propia visión y comunica esa visión a clientes y colaboradores que podrían tener dificultades para interpretar un brief abstracto. Es especialmente útil en branding, moda, diseño de interiores y cualquier proyecto donde la estética y el tono sean centrales. Su construcción puede ser analógica, digital o híbrida, y puede realizarse de manera individual o colaborativa.
Puede volverse aún más abierto y convertirse en Collage exploratorio como lo plantean Butler-Kisber y Poldma (2010) donde le quitan la responsabilidad y limitaciones de dictar una dirección concreta y más bien donde los recortes pueden llevar a direcciones novedosas. Entonces el moodboard suele ser más concreto y puede utilizarse para presentar una dirección visual al cliente, mientras que el collage exploratorio funciona como una técnica para expandir los límites visuales del proyecto.
Estas técnicas permiten observar el comportamiento de una idea en el mundo real pero a una escala pequeña. Sin las complicaciones técnicas ni presupuestarias de un lanzamiento real.
El bocetaje es la técnica de materialización más fundamental en diseño. Es rápida, económica y permite externalizar ideas con rapidez sin comprometer recursos. Es una habilidad que todos y todas las diseñadoras deberíamos practicar a menudo. Existen los bocetos exploratorios, que son rápidos sin mucha pretensión y sirven para pensar. También están los bocetos de presentación, más elaborados y orientados a la comunicación con el cliente o el equipo. El bocetaje no busca producir una imagen terminada sino pensar a través del dibujo. La mano que dibuja obliga a la mente a tomar decisiones, a desbloquear conceptos abstractos y descargarlos al papel en una forma. Funciona en material y en digital, pero ya sabrán... mi preferencia siempre será material.
Un wireframe es una representación esquemática de baja fidelidad de una interfaz digital. Define la estructura y jerarquía del contenido sin diseño visual: sin colores finales, sin tipografía definitiva, sin imágenes reales. Jesse James Garrett, en The Elements of User Experience (2002), lo sitúa dentro de los planos de estructura y esqueleto del diseño, donde el foco está en la arquitectura de la información, la navegación y el layout, no en la estética. Los wireframes permiten que los equipos tomen y discutan decisiones estructurales antes de invertir en diseño visual, lo que los hace eficientes y económicos. También son útiles para la comunicación con clientes que de otro modo podrían fijarse en detalles visuales demasiado pronto en el proceso, desviando la conversación de lo que realmente importa en esa etapa.
Un mockup es una representación de mayor fidelidad que un wireframe pero menos funcional que un prototipo. Se ve como el producto final pero no se comporta como tal: es una simulación visual. Es especialmente útil para tomar decisiones de diseño visual, como color, tipografía e imagen, y para presentaciones al cliente donde una representación realista ayuda a que personas no diseñadoras comprendan la propuesta. Su utilidad es permitir evaluar decisiones estéticas sin el costo de construcción de un prototipo funcional.
El storyboard migró al diseño desde el cine y la animación, donde se utiliza para pre-visualizar escenas antes de filmar. En diseño, particularmente en UX y diseño de servicios o de experiencias, se usa para narrar cómo un usuario interactúa con un producto o servicio a lo largo del tiempo y en distintos contextos. Truong, Hayes y Abowd (2006) estudiaron el storyboarding empíricamente en contextos de diseño y encontraron que es efectivo para comunicar escenarios de usuario a equipos y clientes.
Documento de trabajo para la clase de Metodologías de Diseño.